Wir freuen uns auf ein Wiedersehen ganz bald in Hamburg oder in Leipzig. Wir werden sehen.

Um es mt seinen Worten zu sagen:

“Das ist der Holzweg, er führt uns zu den Quellen.
Das ist der Holzweg. Er führt uns zu jenen Quellen, die kritischen, rebellischen und sehr urbanen
Gefühlen entspringen. Konsum und Überdruss, Kontrolle und Wahnsinn.
Das ist der Holzweg. Er führt uns zu seiner nächsten Ausstellung.”

ONLINE:
Holzweg online

Selected group shows

2012
*unesco – welttag der kulturellen vielfalt,leipzig
*support your local heros 3 – halb acht gallery, hamburg

2011
*viva con agua – millerntor gallery, st.pauli stadium, hamburg
*support your local heros 2 – halb acht gallery, hamburg
*reuse project 4 – tel aviv, israel

2010
*Kupferdiebe exhibition, kunstkiosk – gängeviertel, hamburg
*inspiration art festival – tel aviv, israel
*komm ins museum – altonaer museum, hamburg
*support your local heros – halb acht gallery, hamburg

2009
*art convention finkenau, urban dns – tide, hamburg
*reuse project 3 – tel aviv, israel
*komm in die gänge – gängeviertel, hamburg
*gänge group show – waagenbau, hamburg

2008
*streetart at grünanlagen festival – wilhelmsburg, hamburg
*players live – forum altona, hamburg

2007
*end2end, urban-art festival – hafenklang, hamburg

Selected solo shows

2012
*holzweg solo show – satellite exhibition during the fumetto festival- luzern,swiss

2011
*holzweg solo show -halb acht gallery, hamburg
*book release -”Ohne Dich” Ein Holzweg Bilderbuch @ www.Ausnahmeverlag.de

2010
*holzweg ikonoblasten – modul1 gallery, flensburg
*holzweg solo show – halb acht gallery, hamburg
*holzweg solo show – mastul e.V., berlin

2009
*holzweg solo show – halb acht gallery, hamburg

2008
*holzweg solo show – assoonas gallery, hamburg

Ich glühe, verglühe, wenn ich solche Wahrheiten, solche zu tiefst ergreifenden Wahrheiten hören darf. Ein Tanz hinter der Schädeldecke aus Erkenntnis, Nikotin und verzweifelter Hoffnung.

Die großartigen Gefühle muss nicht nur der Schöpfer aufbringen – und in jedem Künstler ist ein Schluck Kosmos gegossen – nein, diese erhabene Entrückung muss auch der Leser in sich schleudern.- Scheißegal, ob er bereits von Natur aus über ein nervöses Gemüt verfügt oder ob er für diesen Zweck den Umgang mit Drogen erlernen musste.

Das ist kein Aufruf zu Dummheiten, jedoch der Befehl zum Mut zur Entrückung, dem Sprung zur zeitweisen Verklärung – der einzig sinn-vollen Kunstrezeption:

Man erstelle sich eine Youtube-Liste mit den mannigfaltigsten Tracks seines bisherigen Lebens, beblicke ein Gemälde, das die halbe Welt erklärt und lese die Gesamtheit von Goethes Werk in seiner ganzen Fülle reduziert auf das geheimste Symbol der Welt.

Gottfried Benn sagte in den Fünfzigern, dass ein Dichter, wenn überhaupt, vielleicht vier oder fünf Gedichte schreiben könne, die Ewigkeit werden würden. Rainer Maria Rilke nuschelt zähneknirschend dreißig Jahre zuvor, dass es für einen Schreibenden nur ein Werk gäbe, das Dauer erhielte, während er Frank Schätzings nackten, durchtrainierten Oberkörper bei ttt abwertend belächelt. Und Kafka war letztendlich gar nicht so schwierig – überhaupt sagen das junge Menschen oftmals stolz über sich selbst – sie seien „schwierig“.

Kafka war entgegen allen Glorifizierungen der Verlagsindustrie gerne in Gesellschaft und es ist – wow – sogar überliefert, dass Kafka – amazing – sogar mal laut und herzhaft gelacht „haben soll“, vor allem, wenn er seine Texte vorlas, deren grotesker Humor von nur wenigen Germanistikstudenteninnen innen verstanden wurde.

„Helge Schneider ist manchmal ein Kafka-Epigone“, würde ich auf einer WG-Party sagen, wenn ich mich vor Rasta-Nadine wichtig machen wollen würde. Aber eigentlich will ich gar nicht wichtig sein.

Wichtig sein – das ist mittlerweile ein Befehl vom Führer Werbeindustrie. Sei wichtig, poste Unnützes bei facebook, sei auf jeden Fall überall dabei, lass Dir von Papa eine 1500 €-Nikon schenken, obwohl du schon deine Handy-Cam nie genutzt hast. Kauf dir erst eine Staffelei und alle Ölfarben, die es bei „Kreativhaus G. Wucher“ gibt, miete ein Atelier in Leipzig Plagwitz und google erst dann Begriffe wie Perspektive und Fluchtpunkt.

Ich flüchte in meinen Text. Nullen und Einsen, nullen und einsen, nullen und einsen,- Jeder ist eine einzigartíge Null.

Verstehst du, ich würde mich um meine Roman-VÖ mit dem auferstandenen Ernest Hemingway prügeln.
Wenn aber auf dem Tisch ein glitzernder Koffer mit einer Million Dollar stünde, so überlasse ich den ruhig Bill Gates, ohne ihm ein Haar zu krümmen. Ich verdresche keine Schwachköpfe.

„Schon klar“, lächelt Gates wissend, während er mir einen Koffer mit zwei Millionen hinstellt.

Schreiben wäre Ideal. Ohne Geld kein Schreiben. Schreiben bringt kein Geld, erzählen dir irgendwelche Lackaffen, die sich ihren “Esprit”-Kurzschal wie eine Scheiß-Krawatte binden und sich freuen, dass Klappstühle wie Kehlmann oder die Ghostwriter von Bohlens Autobiographie die Verlagsrendite steigern.

Ich las bisher eigentlich nur die Sachen, die sich bewährt haben – Bestseller werden von Spiegel und Bertelsmann gemacht.

„Werke jedoch, macht die Zeit“, sagt eine Germanistikstudentin, mich, 80 Jahre nach meinem Tod zitierend, während im Seminarraum das Handy gecheckt und auf die Uhr gekuckt wird.

Text// Tilmann Kleye
Foto// Susanne Wagner

Lee, wer bist du, woher kommst und wohin gehst du?

Ich bin Malerin, lebe und arbeite in Leipzig. Ich komme aus dem Universum und gehe dahin zurück … (Lacht). Nein! Quatsch! Was für eine Frage! Ich gehe natürlich meinen Weg in der Malerei, erkunde sie und lass mich überraschen, was mich hier erwartet.

Was willst du genau erkunden?

Im Grunde eine moderne Variation des kritischen Realismus aufmachen, wie es ihn schon einmal im 19. Jahrhundert gegeben hat. In der Literatur ist die Richtung auch durch Guy de Maupassant vertreten, in der Malerei durch die russische Künstlergruppe “Peredvishniki “, der auch Ilja Repin und Ivan Shishkin angehörten. Ich will das Ganze noch ein wenig psychologischer halten mit surrealistischen Einsprengseln.

Hört sich schwer tragend und kunstgeschichtlich an. Wo ist Lee Böhm bei der theoretischen Unterfütterung?

Es geht mir darum, Geschichten zu erzählen, Ängste zu verarbeiten. Zum Beispiel die Angst vorm Krieg. Auch wenn wir ihn augenblicklich nicht hier erleben und Leute zweifeln, dass Krieg hierzulande noch einmal stattfinden wird, sehe ich doch weltweit die Konflikte und Kriegsherde.

Und persönliche Ängste?

Verlustangst. Es gibt von mir ein Bild namens “Fluchtversuch”. Darin versuche ich mit allem, was mir lieb und teuer ist, irgendwohin zu flüchten. Eigentlich gibt es keinen Platz, wohin man flüchten kann. Das ist mir natürlich klar. Ich versuche in meinen Gemälden, ein scheinbares Idyll aufzuzeigen, Dinge zu bewahren – vorzugsweise aus meiner eigenen Kindheit.

Warum machst du das?

Es ist ein wenig, als sammele ich Erinnerungen ein. Ich fotografiere auch sehr viel.

Interessant!

Nun ja, … ich versuche etwas aufzuhalten, das mir sowieso entgleitet.

Was entgleitet dir?

Die Zeit! Fotografie macht eigentlich das, was nicht funktionieren kann – die Zeit für einen Moment einfrieren. Das ist wie ein Festhalten-Wollen. Bei der Malerei kann man – anders als bei der Fotografie – in eine Traumtheaterwelt entfliehen.

Was war der Auslöser für deine Malerei?

Ich war schon immer Malerin – seit ich fünf Jahre alt bin. Die Musik tat sich während meines Studium in den neunziger Jahren nebenbei auf, wurde dann immer wichtiger in meinem Leben. Ich wollte mit Westwerk sehen, was ich noch alles kann. Meine Hybris! (Lacht)

Och nö…

(Lacht) Irgendwann hieß es dann wieder “Back to the roots”. Kurz vorm Tod sozusagen! (Lacht)

Geht uns das nicht allen so?

Wenn man dem Tod langsam näher kommt und das Gefühl bekommt, das einem Dinge langsam entgleiten, die Jugend langsam dahin schwindet, …

Lee D. Böhm im Atelier

Hälfte des Lebens, … Friedrich Hölderlin thematisierte das schon. Oder die alten Griechen.

So etwas, genau! Man versucht immer etwas festzuhalten und zu bewahren, zu hinterlassen.

Bis dann der Schrottcontainer vorm Haus aufgestellt wird,…

Wenn keiner die Hinterlassenschaften von einem pflegt… Ich will natürlich etwas hinterlassen, das länger lebt als ich selbst. Das ist natürlich eine Illusion. Wenn ich Glück habe, geht es den Bildern vielleicht besser als mir selbst in vierzig bis fünfzig Jahren. … Ist das Quatsch?

Nein! Das erinnert mich irgendwie an das, was ich mal mit meiner Beschäftigung mit frühbarocker Philosophie las. Wo es um Zukunftsängste geht. Also Ängste, die eigentlich nicht existieren dürften, weil die – von uns befürchteten – Situationen noch gar nicht eingetroffen sind. Das lähmt uns in unserem Handeln. Melancholie eben, Depression.

Klar, wenn man vor allem Möglichen im Leben Angst hat, was noch nicht eingetreten ist, … das Phänomen tritt oft bei Soziophobikern auf. Aus Angst vor Ablehnung gehen sie gar nicht erst auf andere Menschen zu und vermeiden jedwede ähnliche Situation. Das führt in eine selbst gewählte Isolation und damit in eine Depression.

Zum Glück ist das bei dir nicht so!

(Lacht) Ich beackere andere Ängste. Verlust, Altwerden, Verfall, Sehnsucht nach Geborgenheit. Die tritt aber nicht ein. Angst vor Ablehnung spielt auch mit hinein. Da drüben stehen zwei Bilder, die das thematisieren. Eins heißt “Older”, das andere “Nur der Berg hört zu”. Bei letzterem geht es darum, wie man sich mit Live-Musik blamieren kann. Komponieren war immer eine Stärke, aber die Performance war immer schwierig,… (Atmet tief durch), … “Nur der Berg hört zu” zeigt die Angst, dass mir niemand zuhört außer der Berg eben. Zugespitzt gesagt: Werde ich nicht mehr akzeptiert, wenn ich eine olle Faltenfrau bin? (Lacht)

Schau dir meine Falten an.

Du hast überhaupt keine!

Das wollte ich hören! Nach deiner Ausstellung im März und April in der sju-Galerie: Wie geht es bei dir weiter?

Im Moment würde ich mir wünschen, dort als Stammkünstlerin geführt zu werden. Die Galerie ist noch im Aufbau begriffen, richtet sich in Berlin eine weitere Vertretung ein und hat viel versprechende Kontakte. Für Künstler wie mich sind das gute Aussichten. An einer dauerhaften Zusammenarbeit bin ich auch deshalb interessiert, weil ich sowohl Juliane Ehrlicher als auch Gert Schröder persönlich mag.

Und künstlerisch?

Ich bleibe der figürlichen Malerei treu. Es bleibt beim Geschichten erzählen. Derzeit experimentiere ich mit Techniken und überlege, ob ich nicht auch mit Kasein malen könnte.

Was ist Kasein?

Das ist eine Art Quarkbindemittel. Pigmente können mit verschiedenen Bindemitteln gemischt werden. Da gibt es Öl, Ei und Wasser als Bindemittel. Bei Kaseinmalerei wird Quark mit Sumpfkalk, Wasser und Leinölfirnis vermischt. Da hat jeder Künstler, der damit umgeht, sein eigenes Rezept. Wurde früher auch für Wandmalereien verwendet. Kasein ist extrem widerstandsfähig für Außen- und Innenbereiche.

Und thematisch – wohin führt dich dein Weg?

Vielleicht nicht mehr zu ganz so düsteren Bildern wie vor zwei Jahren. Aber das kann ich nicht beeinflussen. Wenn mir wieder etwas entschlüpft, wo die Leute sagen: “Oh, das ist für meine Kinder viel zu düster. Das kann ich mir nicht kaufen”, muss mir das egal sein.

Künstler malen ja nicht für Kinder- und Wohnzimmer…

Ich würde das gar nicht so eng sehen. Es gibt viele Künstler, die Kunst so elitär betreiben und nur für Sammler und Museen malen. Der Begriff “Sofakunst” wird ja prinzipiell entwertend betrachtet. Ich finde das Wort ganz prima. Ich würde den Sinn total drehen wollen. Menschen, die ihr Bild für ihr Sofa kaufen, ist Kunst so wichtig, dass sie sich das Gemälde täglich anschauen wollen. Das ist doch wunderbar! Natürlich steckt dahinter eine gewisse Bürgerlichkeit.

Eine Freundin von mir kaufte auch mal ein Bild von mir und hängte es dann über das Kinderbett ihres Sohnes.

Spannend!

Es war aber düster.

Sie ist aber mutig! Wollte das Kind das auch so?

Ich glaube, es hat sich daran gewöhnt. Hab kein Kontakt mehr.

Meine Tochter sagte zu mir, dass sie in die eine oder andere Ausstellung gar nicht mitkommen möchte. Sie hat keine Lust, immer nur graue und langweilige Bilder zu sehen.

Echte Kunstbewegungen wie die im 20. Jahrhundert gibt es gar nicht mehr.

Das wird schon noch kommen. Der Pessimismus, der gerade vorherrscht, ist nur eine Sackgasse.

Gibt es eine neuen Optimismus?

Ich weiß nicht. Aber Malerei stirbt nicht aus. Es gibt immer Leute, die malen. Man muss doch nicht immer wieder neue Kunstrichtungen erfinden. Die Leute sollen erst einmal ordentliche Bilder malen. Man muss nicht gleich die ganze Welt mit seiner Kunst verändern. Erst einmal ein ordentliches Bild abliefern, das ist mein Anspruch. Gut mit Form, Farbe und Komposition umgehen,…

… ein Appell nach draußen?

Ja, wahrscheinlich … ist schon schwer genug. Wenn man das schafft, hat man hundert Prozent erreicht. Wenn man dazu noch sehr talentiert ist und die Ideen hat, hat derjenige schon fast gewonnen. Wenn etwas gut ist, wird es immer bemerkt, würde ich behaupten.

Gutes Schlusswort. Danke für das Gespräch.

Art-Magazin

2. Einen von vielen Verissen der angelaufenen 7. Berliner Biennale. Auch im Freitag lässt man sich über die misslungene Vermengung von Kunst und (linker) Politik aus und sieht lediglich einen erweckten Trotz-Charakter.

derFreitag

3. Noch bis zum 13. Mai ist die amerikanische Malerin Georgia O´Keeffe in der Hypo-Kunsthalle München zu sehen. Das Werk der Künstlerin wird in Deutschland erstmals in seiner ganzen Vielfalt präsentiert und die Ausstellung zeigt ihren Weg von der Abstraktion in die Gegenständlichkeit und zurück. Genaueres lest ihr in der Neuen Zürcher Zeitung.

NZZ

4. “Gute Kunst ist immer politisch” sagt Kurator David Elliott. Der Brite eröffnet im Mai die “Arsenale”, die erste Biennale in der ukrainischen Hauptstadt Kiev. In einem Interview im Monopol-Magazin beantwortet er Fragen zu Timoschenko, Poliik und Kunst. Was er sagt, lest ihr hier:

Monopol-Magazin

5. “Gesetze sind zum Brechen da” resümiert der Maler Johannes Grützke und bekennt sich zur Prächtigkeit. Im Interview mit der Wiener Zeitung schildert er, warum die Lust am Malen nicht erklärbar ist und das er die klassischen graphischen Techniken der Computerkunst vorzieht. Genaueres erfahrt ihr hier:

Wiener Zeitung

Das war die kleine Kunstpresseschau vom 4. Mai. Wir wünschen euch ein schönes Wochenende

Im Vordergrund sollen auch die seltenen Momente “politischer Schönheit” von Kunst stehen. Weg von der Exotik soll die Biennale sich herausheben von den hunderten von Biennalen weltweit insofern, das die ausgewählten Künstler sich mit ihren Kunstwerken einmischen in die gesellschaftlichen Prozesse und wirtschaftlichen Transformationen. Ideen sollen über den Kategorien von guter und schlechter Kunst stehen. So bekommen Politiker, Kuratoren und Kollektive mit sogenannter “Bürgerkunst” auf dem Festival ihre Plattform.  Um das zu zementieren, wurde die Eröffnungspressekonferenz auch gleich mit der, der Occupy-Bewegung zusammengelegt. Kurator Zmijewski: “Die Biennale hat sich verwandelt.  in ein Verfahren zur Gestaltung von Politik”.

Basisdemokratie als Kunst?  Wieviel Politik verträgt Kunst?

Darüber lässt sich ausgiebig streiten und es wird sich zeigen, ob dieses Konzept aufgeht. Die Kunst ist nicht Schwarz und Weiß, genausowenig wie die Politik. Die Idee ist einerseits gut, aber irgendwie kommt mit den Statements der Veranstalter eher die Feindschaft vieler “Linker” zu Luxus und Ästhetik zutage. Berlin ist sicherlich einer weiteren Pleite näher, als umgekehrt. Manche Ausstellungen können der zeitgenössischen Kunst “schaden”. Allein der normale Hauptstadt-Tourist wird es wohl als den viel beworbenen Berlin-Chic empfinden.

Die Biennale selbst bespielt mit ihrer Ausstellung “Forget Fear” verschiedene Orte in Berlin, darunter auch im öffentlichen Raum. Der Eintritt ist frei.

www.berlinbiennale.de

Vorgeschlagen wurde er  von Udo Kittelmann, dem Direktor der Berliner Nationalgalerie: “Man darf gespannt darauf sein, zu welchen Grenzerweiterungen er das Medium der Zeichnung und das Material Papier in Zukunft herausfordern wird.”

Thema des 1966 geborenen Künstlers ist das Reisen, das Fortbewegen durch Raum und Zeit. Deshalb ist auch der Mittelpunkt der Ausstellung seine Installation eines Boeing 737-500-Tragflügels, der zu einem weiteren Ausstellungsraum verbindet, der für den Besucher unerreichbar ist.

“Dont walk outside this Area” ist der Titel der Ausstellung. Und nur durch das Brechen dieses”Verbotes”, dem Wandern über die Tragfläche, ist es möglich, einen weiteren Raum zu erreichen, einen neuen Horizont zu erschließen. Ondák spielt also  mit Grenzen, mit Risiken und Verboten, stellt sie in Frage, lädt zu imaginären Reisen ein.

Mit dem Öffnen neuer Horizonte hatte sich der Künstler bereits im Tschechischen und Slowakischen Pavillon auf der Biennale in Venedig vor drei Jahren künstlerisch-philosopisch auseinandergesetzt.

Bis zum 18. Juni sind die Installationen und Papierarbeiten in der vorletzten Ausstellung des Deutsche Guggenheim Berlin zu bewundern. Überraschend wurde Anfang des Jahres bekannt gegeben, dass das renommierte Museum geschlossen wird. Gründe wurden nicht genannt. Die Räumlichkeiten sollen jedoch für ein neu geplantes Dialogforum zwischen Wirtschaft, Kultur, Politik und Gesellschaft weiter genutzt werden.

Roman Ondák studierte an der Hochschule für bildenden Künste Bratislava, in Italien, den USA und der Schweiz. Sein Schwerpunkt sind Installationen und Zeichnungen.

Photo: © Roman Ondák

Roman Ondák: “Do not walk outside this Area”, 26 April bis 18 Juni, Deutsche Guggenheim Berlin, Unter den Linden 13/15; täglich 10-16 Uhr

www.deutsche-guggenheim.de

Die Jahre von 2002 bis 2008 Jahre verbrachte Martin Galle an der Hochschule für Grafik und Buchkunst. Er studierte bei Arno Rink. Der einstige Street-Art-Künstler blickt auf eine siebenjährige Karriere als Maler zurück. Seine Ausstellungsliste ist umfangreich. In etlichen Ausstellungskatalogen tauchen Abbildungen seiner Werke auf. 

“Mit fast fotorealistischer Präzision gelingen ihm Landschaftsbilder, Interieurs und Straßenszenen. Doch er bricht die Perfektion auf der malerischen, wie auf der Ebene des Sujets. Figuren tragen Masken, fahriges Graffiti legt sich über romantische Landschaftsbilder und tief schwarze, ins Abstrakte kippende Farbflächen konterkarieren den souveränen Umgang mit Licht und Raum”, heißt es zu seinen Bildern von seiner Stammgalerie auf der Alten Baumwollspinnerei ASPN. Galle ist einer von 14 Künstlern, die die Leipziger Galerie vertritt.

Mit seiner neuen Ausstellung “Oil” wird Galle dunkler. Wird der junge Künstler die Kunstfreunde mit seinen neuen Arbeiten genauso verblüffen wie 2007 auf der “Art Fair 21″ in der Berliner Galerie E105, als es zu Galles eindrucksvollen Arbeiten hieß: “Martin Galle verblüfft mit einer fast fotorealistischen Malerei, die sozusagen im Nachgang mit Kreiden und Graffitti-Elementen kommentiert wird. Unverkennbar ein Rauch-Schüler – und mit viel Potenzial.”?

Der 1981 in Leipzig geborene Galle experimentierte bislang mit herkömmlicher Ölmalerei und mit den Graffiti der Straßenkünstler. Beide Techniken verband er in seinen Bildern. Bei seiner Meisterschülerausstellung 2010 fielen seine skizzenhaften Studien ins Auge. Teilweise nutzte er einfach einen Farbspray, um die Arbeiten wieder unkenntlich zu machen.

Trotz des Lobes passierte bei Galle nicht viel in der Öffentlichkeit, meint auch Galeristin Arne Linde. Völlig zu Unrecht, wie sie meint. Stellte Galle doch in New York, Miami, Los Angeles und auch schon mal in Berlin und Bonn mit anderen Künstlern aus. “Oil” wird die zweite große Einzelausstellung des Ausnahmekünstlers in der ASPN sein. Darüber gibt Arne Linde auch eine kleine Auskunft: “Er widmet sich jetzt einem ruhigen, fast klassisch anmutenden Thema – der Landschaftsmalerei. Nach der Zeit der Abgrenzung als HGB-Student, scheint eine selbstreflektierende Phase bei Martin Galle angebrochen zu sein. Ich habe den Eindruck, dass er mit einer neuen Ernsthaftigkeit gerade bei sich selbst ankommt.”

Linde betont, dass Galles neue Werke eine düster-romantische Note bekommen. Zwei Wochen vor der Ausstellungseröffnung am 28. April kennt nicht einmal sie alle neuen Bilder in ihren vollendeten Zuständen. Das mitternächtliche Seestück “Oil” könnte als Hinweis dienen, wohin der Künstler in den kommenden Jahren will. Erfindet sich der einstige Street Art-Künstler neu? Martin Galles Ausstellung “Oil” ist nach dem Galerierundgang auf dem Gelände der Alten Baumwollspinnerei bis zum 2. Juni für Besucher geöffnet.

ASPN Galerie:

www.aspngalerie.de

Chris Gräfensteiner hat an Freien Kunstschule Berlin und am Art Institute Sydney studiert und stellte bisher in verschiedenen Galerien in Europa, Australien und den USA aus. Heute lebt und arbeitet sie in Berlin.

Sie arbeitet ausschließlich in Serien. Arbeiten aus ihren Serien wurden zuletzt in New York und der Art fair 21 in Köln, im Berliner Kunstsalon und auf den Basler Kunsttagen gezeigt.

Die Arbeiten „Meerstueck“ und „Oesterreichhaus“ stammen aus ihren neuesten Serien „Meerstuecke/Horizones“ 2010 – 2012 und folgend und „Bauernhaeuser/Farmhouses“ 2011/2012 und folgend.

Das Grundmotiv der Serie „Meerstuecke“ ist der Horizont beim Blick über das Meer dargestellt in seiner Einfachheit.
Gerade die Zurückgenommenheit des Ausdrucks verweist auf die Kraft des Motivs. Beim Anblick des Horizonts laufen beim Betrachter subjektive Bilder ab wie ein privater Film.

Die Serie „Bauernhaeuser/Farmhouses“ umfasst eine Reihe von großformatigen Collagen, Ansichten von alten Bauernhäusern, Ensembles bei denen Gebäude und Landschaft zu einer Einheit verschmolzen scheinen.
Durch die Technik der eingearbeiteten Photoimages wird das architektonische des Motivs unterstrichen, die Malerei lässt märchenhafte, träumerische Assoziationen entstehen.

Wie ein roter Faden zieht sich neben der Darstellung von Beobachtungen das Hinzielen auf Halbbewusstes durch die Arbeit von Chris Gräfensteiner. Der Betrachter schwimmt in den Werken der Berlinerin und findet sich in den großformatigen Leinwänden wieder, hin – und hergerissen zwischen Großstadt und Unberührtheit.

CHRIS GRAEFENSTEINER
NAUNYNSTR.42
10999 BERLIN

Fotos// Chris Gräfensteiner
Text// Pressetext Chris Gräfensteiner

Um all dies zu zeigen, wird am letzten Aprilwochenende zu einem Rundgang gebeten. Alle Interessierten sind herzlich eingeladen, die über die ganze Stadt verteilten Orte dieser Szene zu erkunden. Auch jeder, der seine Werkstatt öffnen, seine Perfomance darstellen, sein Lied singen möchte, möge sich hier angesprochen fühlen und einreihen.

Kulturprodukt versteht sich als Teil des halleschen Kulturbiotops, einer Grenzen überschreitenden Initiative, die vernetzen, Einblicke geben und Barrieren abbauen möchte. Ein offener Diskurs ist willkommen.

Und wir werden es auf keinen Fall versäumen, Marko Raffler einen Besuch in seinem Atelier abzustatten.

Mehr Informationen erhaltet ihr hier:  www.kulturprodukt-halle.de

Text- & Bildquelle: kulturprodukt-halle.de

Die Wiederentdeckung dieser Künstlerin der „verlorenen Generation“ ist das Ausstellungshighlight der Sammlung Modebild im Jahr 2012. Auf ca. 300 m² Ausstellungsfläche inszeniert die Kunstbibliothek am Berliner Kulturforum die Ausstellung „Dodo (1907-1998) – ein Leben in Bildern“. Gezeigt werden ca. 120 grafische Arbeiten aus allen Lebensphasen: mondäne Modegrafik, glamourös-plakative Illustrationen für die Zeitschrift Ulk, die „unbewussten“ Bilder aus der Zeit ihrer Zürcher Psychoanalyse, Illustrationen für jüdische Zeitschriften sowie ausgewählte Arbeiten aus dem Londoner Exil. Damit werden Einblicke in das Leben einer Künstlerin eröffnet, das von stetigen Aufbrüchen und künstlerischen Neufindungen geprägt war.

In Berlin 1907 als Dörte Clara Wolff geboren, entwickelte Dodo schon als junge Frau eine attraktive Anziehungskraft. Sie verfügte über ein kompromissloses Wesen mit intensiven Emotionen. Nach ihrer Ausbildung an der renommierten Schule Reimann in Berlin stieg Dodo ab Herbst 1926 in den Beruf der freien Modeillustratorin ein und baute sich rasch einen festen Kundenkreis auf. Unumstrittener Höhepunkt in Dodos künstlerischem Werk sind die zwischen 1927 und 1929 entstanden Gouachen für das Berliner Unterhaltungsblatt Ulk. Sie arbeitete hier komplexe Kompositionen mit großer atmosphärischer Dichte aus, in neusachlichem Stil und mit ausgesprochen intensiven, leuchtenden Farben. Mit scharfen Linienkonturen verstand es Dodo treffend, den ihr selbst geläufigen kosmopolitischen Lebensstil der späten Zwanziger Jahre als oberflächlich zu entlarven.

In einer privat turbulenten Lebensphase zwischen 1930 und 1937 entstand eine intime Werkgruppe von intensiven, während der 1933 von Dodo durchlebten viermonatigen Zürcher Psychoanalyse teilweise brutalen Zeichnungen, die die enorme Dynamik des therapeutischen Prozesses ebenso sichtbar machen wie Dodos verdrängte persönliche Konflikte und deren tiefere unbewußten Ursachen.

Erst nach 1938 festigte sich Dodos private Situation im Londoner Exil, wo sie eine dauerhafte Heimat fand. Zwar blieb ihr beruflicher Erfolg zeitlebens weit hinter der Berliner Zeit zurück – llustrationen für Kinderbücher, Glückwunschkarten und Werbegrafiken sind überliefert – doch der Grundton ihres Spätwerks ist harmonisch und geprägt von einer intensiven Auseinandersetzung mit dem Sujet.

PRESSEMITTEILUNG

Kulturforum, Kunstbibliothek – Staatliche Museen zu Berlin

Sammlung Modebild – Lipperheidesche Kostümbibliothek

Eingang: Matthäikirchplatz, 10785 Berlin-Tiergarten

Dodo (1907-1998) – ein Leben in Bildern

Eine Ausstellung der Kunstbibliothek vom 1. März bis 28. Mai 2012

Öffnungszeiten: Di – Fr 10 – 18 Uhr, Sa + So 11 – 18 Uhr

Bildquellen

Titelbild// Dodo, Der Windhund (Abstieg), für die Zeitschrift Ulk, 1929, Wasserfarben, Grafit, 40 x 30 cm, Leihgabe Privatsammlung Hamburg

Portrait// Unbekannter Fotograf, Porträtfotografie Dodo um 1928, Silbergelatineprint, 19,8 x 14,2 cm, Leihgabe Dodo Estate, Athen